Theatrales

  • Comédiens, metteurs en scène, auteurs... Chaque trimestre, Théâtre(s) publie un grand entretien avec une personnalité du monde théâtral, réalisé par Arnaud Laporte.
    Tous parlent de leur métier, de leur vocation et de leur engagement avec la même intelligence et la même passion. Dans ces longues interviews - dont la rareté dans les médias confère une grande valeur - tous se livrent avec introspection et honnêteté, sans complaisance.
    La richesse de leurs points de vue et de leur expérience, mais aussi les partis pris, les doutes et les question- nements qui les accompagnent, donnent toute leur profondeur à la réflexion et aux pratiques qu'ils déve- loppent sur l'art dramatique.
    De la vie ! De l'enthousiasme ! Des rencontres d'exception pour mieux comprendre les réalités du théâtre d'aujourd'hui.

  • Il y a trente ans commençait une entreprise unique et ambitieuse?: réunir un collectif de praticiens et praticiennes de théâtre ayant pour mission de défendre et de promouvoir l'écriture dramatique. 169 textes lauréats plus tard (pour des centaines reçus chaque année), cette aventure est devenue l'un des plus grands concours d'écriture de la francophonie. Sa force est à la hauteur de l'engagement de chacun et chacune des membres de ce comité de lecture?: non seulement lire, débattre et sélectionner, mais aussi éditer, partager et défendre la singularité de chaque texte lauréat.
    Écrit à l'occasion des trente ans du concours, Oui, c'est du théâtre?! n'est ni un compte rendu d'activité ni le récit d'une légende dorée. Il s'agit au contraire d'un savant collage de réflexions collégiales et individuelles autour de la question essentielle de ce que signifie écrire, lire et publier du théâtre aujourd'hui. Loin d'imposer une réponse définitive et sentencieuse, cet ouvrage collectif propose des éléments de réponses variés et volontairement fragmentaires afin de permettre à tous les regards d'y trouver une place et de proposer, à leur tour, leur expérience unique du théâtre contemporain.
    Pendant que certains se demandent encore si l'auteur dramatique existe toujours - alors qu'il suffit d'aller en librairie ou au théâtre pour l'y rencontrer -, le comité de lecture des Journées de Lyon des Auteurs de Théâtre continue de défendre l'écriture dramatique et de nourrir inlassablement la réflexion sur ce que pourrait être - ou non - un texte de théâtre.

  • Cet essai constitue une exploration du genre dramatique et invite à un nouveau mode de lecture du texte théâtral. L'auteur montre de quelle façon le théâtre contemporain bouscule ses composantes et ses structures traditionnelles pour donner naissance à un nouveau genre.

  • A l'occasion des 25 ans d'ARTA-Association de recherche des traditions de l'acteur (créée notamment par Ariane Mnouchkine), Jean-François Dusigne déroule et décrit les différentes écoles de jeu de l'acteur de par le monde. CAr en 25 ans, tous les maîtres indiens, chinois, japonais, indonésiens, russes, américains, africains et européens sont passées par la maison blanche de la Cartoucherie de Vincennes pour transmettre leur savoir, leurs techniques, leurs traditions et faire éclater la pédagogie du théâtre à l'occidentale. Saisissant cette opportunité, Dusigne va, dans la lignée de "L'acteur, naissant" reprendre à son compte et revivifier les théories sur l'acteur de Stanislavski jusqu'à l'Actor Studio.Un passionnant tour du monde de l'apprentissage du théâtre.

  • Le personnage théâtral est souvent l'objet d'un malentendu ; des distorsions considérables existent aujourd'hui entre l'idée classique qu'on se fait de lui et la réalité de ses écritures.
    Cet essai, centré sur les textes contemporains et leurs innovations dramaturgiques spécifiques, s'attache à éclairer les évolutions de cette figure. Il s'adresse ainsi à tous les amateurs de littérature dramatique. Que ce soit au lecteur solitaire, pris au plaisir du texte théâtral, au lecteur potentiel de la représentation, le spectateur, ou aux lecteurs particuliers que sont l'acteur et le metteur en scène, cet ouvrage propose une approche renouvelée de l'être théâtral.
    Recourant à des analyses qui témoignent des nombreux statuts alternatifs du personnage, Jean-Pierre Ryngaert et Julie Sermon se mettent à l'écoute de ce que son écriture peut encore avoir à nous dire. Il démontre notamment que le théâtre n'en a pas fini de donner à voir, à lire et à entendre l'humain.

  • Howard Barker est l'auteur d'une oeuvre aussi riche que percutante.
    Partisan d'un théâtre exigeant qui enfin traiterait le spectateur en adulte et cesserait de l'abreuver de recettes à penser, peintre, poète surtout, Barker place le langage au centre d'une forme dramatique nouvelle : le théâtre de la Catastrophe. A la croisée des regards entre théorie et pratique, ce livre entraîne le lecteur dans un voyage au coeur d'une dramaturgie radicalement différente qui interroge le sens de l'humain.
    Les articles et entretiens proposés ici cernent les enjeux théoriques et esthétiques de cette tragédie d'un autre ordre qui dessine un espace théâtral rythmé, tout entier de beauté et de terreur, d'excès et d'imagination. Barker révolutionne les modalités du voir et de l'entendre, renverse les présupposés éthiques et esthétiques et fait éclore un théâtre viscéral et vital tout de secret et de liberté où se grave une parole à la fois révulsée et désirante.

  • C'est un livre riche que les Réflexions du comédien. Il faut le voir comme un vaste panorama de la pensée de Jouvet. Tout y est abordé : les texte, le jeu, le rôle du théâtre, le métier de directeur... Cette plongée dans la pensée du maître est passionnante.

    Le livre commence par des réflexions du sur le théâtre de Beaumarchais et celui de Hugo, ce qui est éternel en eux et la façon dont ils doivent se transmettre au public. Le chapitre suivant porte sur l'auteur Henri Becque. Il s'intitule « La disgrâce de Becque ». Il est des plus intéressants car il interroge le potentiel d'un texte de passer ou non à la postérité.

    Jouvet parle de l'avenir du théâtre, de la sensibilité du public, de cette difficulté d'innover et de restituer, de cet équilibre constant qui doit être l'obsession du comédien, du metteur en scène ou du directeur de théâtre.

    « Le commerce théâtral, malgré son caractère utilitaire est, à l'origine des temps, un sacerdoce qui prend sa source aux mobiles les plus nobles et les moins intéressés du coeur humain, mais il va au flanc de tout sacerdoce, si glorieux soit-il, une abominable plaie qui oblige le prêtre à vivre de l'autel, le soldat de son épée et l'avocat, comme le médecin, de ses clients. » Quelles concessions alors faut-il faire ? Quelle intégrité peut-on garder ? Comment garantir notre indépendance et notre liberté ? Comment, enfin, faire survivre l'Art ? Ce sont ces questions-là qui sont au coeur des Réflexions du Comédien et chacun sait à quel point elles concernent le temps présent.

  • Les liens entre pouvoir et théâtre ont toujours été étroits.
    En 1967, Guy Debord invite à penser la prégnance du spectacle comme l'une des caractéristiques du monde contemporain. La date de parution de La Société du spectacle est une borne pertinente pour entamer une réflexion sur la théâtralisation du discours politique et de son commentaire, qui va jusqu'à la campagne de 2012 comme acmé d'une possible théâtrocratie. Cette théorie de la théâtralisation constitue-t-elle une simple métaphore ou décrit-elle des structures spectaculaires propres à la vie humaine ? Ce dictionnaire joue la définition multiple sur une trentaine d'occurrences théâtrales relevées dans les médias, d'" acteur " à " scénographie " en passant par " dramaturgie " ou " costumes ".
    Il est complété par des textes de fiction de Lancelot Hamelin, Sylvain Levey, Philippe Malone et Michel Simonot.

  • LUMIÈRE POUR LE SPECTACLE de François-Éric VALENTIN, assisté de Frédéric Poullain, préface de Muriel Mayette - La Librairie Théâtrale avait publié en 1988 et en 1994 deux versions de Lumière pour le Spectacle. Avec cette nouvelle version, à l'aube de ce troisième millénaire, version refondue et augmentée, qui offre aussi une réflexion sur les appareils automatisés et leur emploi théorique, F-E Valentin continue sa recherche sur ce qui est à la fois son métier et sa passion : le langage de la lumière. Par de nombreux exemples pratiques, il met ainsi trente ans d'expérience créatrice au service du lecteur. Tout spectateur désireux de comprendre « comment ça marche » se plongera dans la lecture de ce livre, ni manuel réservé aux seuls spécialistes, ni livre de recettes pour apprentis sorciers, mais dans le même esprit que ses trois prédécesseurs, tous ouvrages considérés depuis longtemps comme la référence ; cette nouvelle version s'inscrit dans une démarche de réflexion sur l'essence même de tout spectacle, qu'il s'agisse de théâtre, de danse, de musique, de son et lumière, tous genres pour lesquels F-E Valentin a conçu, pendant ces trente années, de nombreux éclairages, en complicité avec différentes équipes de création : metteur en scène, acteurs, décorateur, costumier... Il essaie ainsi de situer l'éclairagiste au milieu des autres professionnels du théâtre. A côté de toutes les informations pratiques dont il aura besoin, le lecteur trouvera aussi les questions qui lui permettront d'inventer lui-même ses propres réponses lors de ses créations futures.

  • L'homme de théâtre israélien Hanokh Levin (1943-1999) est devenu, en quelques années, un incontournable de la scène française. Auteur d'une cinquantaine de pièces, il aborde aussi bien l'intime que le politique. Son théâtre interroge les structures des plus grands dramaturges (Aristophane, Shakespeare, Brecht, Beckett...), proposant de nouvelles formes théâtrales d'une redoutable efficacité. Pour rendre compte d'un monde dont les citoyens sont ensemble à l'ombre des canons, il s'inspire tout autant de la vie quotidienne que de sources bibliques ou mythologiques. Son théâtre, toujours engagé, dénonce l'inanité de la logique de guerre et son humour, dévastateur et provocateur, interroge l'humain et rejoint l'universel. Dans cet ouvrage théorique et critique, le premier en français, Nurit Yaari retrace l'itinéraire artistique de l'écrivain. Elle analyse son écriture depuis la satire politique jusqu'à la tragédie mythique, en passant par la comédie. Elle présente également l'évolution de son travail de metteur en scène, illustré par des photos de ses spectacles. Plusieurs témoignages d'artistes français (Stéphane Braunschweig, Jacqueline Carnaud, Michel Didym, Christine Murillo, Jacques Nichet, Laurence Sendrowicz...) traduisent l'écho de son oeuvre en France. Un ouvrage essentiel pour découvrir l'une des plus grandes oeuvres théâtrales du XXe siècle.

  • A travers les histoires qui jalonnent le parcours d'un acteur, expériences qui le conduisent à faire ses propres découvertes, ce livre apporte des réponses concrètes aux multiples questions du métier : comment se rendre disponible, comment cerner un conflit de jeu et faire évoluer une situation, comment laisser surgir ou canaliser ses émotions, comment aborder organiquement les textes, comment travailler ses rôles, comment accepter le trac oe... Au fil des obstacles qu'il surmonte, l'acteur, qui parle ici à la première personne, acquiert les clés d'une préparation autonome en vue de collaborer pleinement au travail collectif impulsé par le metteur en scène, sans plus avoir besoin de tout attendre de lui. Jean-François Dusigne a conçu son livre en pensant aux acteurs, aux metteurs en scène, aux pédagogues, ainsi qu'à toute personne curieuse de connaître les processus habituellement secrets de la création. Son essai, fruit de la réflexion et de l'expérience, s'est nourri de la rencontre d'artistes-pédagogues comptant parmi les plus importantes personnalités de la scène à travers le monde.

  • "Des années 1880 à aujourd hui, la crise de la forme dramatique affecte tout particulièrement la relation dialoguée. Si, dans la forme canonique du drame, les voix des personnages correspondaient à la voix de l antique rhapsode ""cassée en plusieurs morceaux"", on assiste, dans le drame moderne et contemporain, à un nouveau partage des voix, la voix du rhapsode -ou de l auteur -faisant retour au milieu des voix des différents personnages. Dans ce premier volume, on trouvera un triple questionnement, largement interdisciplinaire, sur la spécificité du dialogue dramatique moderne et contemporain, sur les rapports qu il peut entretenir avec d autres formes de dialogue -notamment le dialogue philosophique -et sur la relation dialogique qui se noue entre la scène et la salle. Le second volume sera consacré à l analyse et à la mise en perspective des mutations que connaît, de Büchner à Novarina et de Maeterlinck à Fosse, la relation dialoguée."

  • Depuis trente ans, l'écriture théâtrale contemporaine connaît d'importantes mutations. Les auteurs expérimentent de nouvelles formes et n'accordent plus la même importance au "déploiement progressif et explicite du sens". Ils mettent tout en oeuvre pour que leurs pièces résistent à la lecture, au jeu et à l'analyse, afin de déconcerter et d'intéresser les lecteurs qui prennent risque et plaisir au contact du théâtre contemporain.
    Par une verve réjouissante dans l'analyse, l'universitaire Michel Corvin, disparu en août 2015, propose dans ce dernier essai des hypothèses de lecture à destination des étudiants et des professeurs de théâtre et de littérature, comme des praticiens du plateau. Il s'attache à sonder les plus grandes oeuvres théâtrales de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe, en ne s'interdisant pas le contrepoint d'époques plus anciennes.
    Mieux, il vise à comprendre comment les auteurs jouent avec leurs lecteurs. Après s'être intéressé aux formes du théâtre contemporain dans La Lecture innombrable des textes du théâtre contemporain (Editions Théâtrales, 2015), il s'attelle donc à débusquer le sens, cette "image tissée en fils quasi invisibles", qui permet à l'ensemble de l'oeuvre de tenir debout et nous emmène au-delà du sens obvie des pièces contemporaines.

  • LEXIQUE DE LA MACHINERIE THÉÂTRALE de André BATAILLE - Né le 7 janvier 1922 à Saint-Germain-en-Laye. En 1932, déjà sur les planches avec mon oncle machiniste à la salle des fêtes de Saint-Germain et mon père machiniste. Moi-même machiniste au décès de mon père en 1937. De retour d'Allemagne, déporté S.T.O. de 1943 à 1945, je travaille dans divers théâtres de PAris début 1946 en commençant par l'Opéra. Ensuite dans de nombreux théâtres de PAris pour arriver à la Comédie-Française salle Luxembourg fin 1947, où je reste sept ans et demi. J'entre définitivement, en 1958, avec Jean Vilar au T.N.P. jusqu'à la retraite en 1982. J'ai écrit ce lexique en 1975 à l'attention des jeunes stagiaires du centre de formation des techniciens du spectacle de Saint-Ouen.

  • Que s'est-il passé dans l'écriture théâtrale depuis l'apparition de Godot, jusqu'à celle du tout aussi mythique Roberto Zucco ? Depuis la prodigieuse génération des Beckett, Kateb Yacine, Genet et, plus tard, des Césaire, Tremblay ou Sarraute ? Rien ? Si ! L'arbre immense nommé Koltès ne doit pas nous cacher la forêt luxuriante des dramaturges qui ont fait résonner la langue française en cette deuxième moitié du siècle. En quelques décennies, ils ont tout à la fois nourri la crise des formes classiques et assuré un renouvellement total de ce genre littéraire. Répartis en trois volumes, deux cents extraits de textes édités sont sélectionnés et mis en perspective au sein de leur oeuvre d'origine, accompagnés d'une biographie de leur auteur. Ils sont présentés selon des critères formels ou thématiques, introduits par des spécialistes. Listes d'oeuvres, bibliographies et index figurent dans chacun des ouvrages.
    La soixantaine d'extraits retenus dans ce volume permet d'observer l'évolution de l'héritage classique et ses métamorphoses, de détailler l'éclatement des formes canoniques (fable, dialogue, personnages) et d'assister à la floraison des écritures de la parole.

  • L'écriture, la langue et l'oeuvre du dramaturge et romancier Koffi Kwahulé sont nourries par le jazz et ses interprètes. On ressent cette influence à la lecture ou à l'audition de ses textes tant ses mots traversent le corps de l'acteur ou l'épiderme du lecteur. Ruptures de rythme, répétitions, chevauchements des mots comme des notes, les écrits de Kwahulé entretiennent un rapport intime avec cette musique qui entraîne avec elle l'histoire du peuple noir. L'universitaire et critique musical Gilles Mouëllic échange avec Koffi Kwahulé sur ces rapports entre écriture et sonorités : plus qu'une influence, une façon d'écrire ; plus qu'un dialogue, une recherche d'unisson. On voit ici le parcours d'un écrivain qui se définit comme un jazzman, maniant les mots comme John Coltrane ou Thelonious Monk composaient ou improvisaient : à la recherche du son et du rythme, au coeur du mystère de la création. Voici une occasion unique d'apercevoir de façon concrète l'entremêlement de deux arts, théâtre et jazz, et de pénétrer dans l'atelier de création d'un écrivain mélomane.

  • Théoricien et praticien du théâtre, metteur en scène et universitaire, rédacteur en chef de la plus grande revue de théâtre américaine, The Drama Review, Richard Schechner vit et enseigne à New York. Mondialement connu, il est l'auteur de nombreux essais et articles. Cet ouvrage rassemble des textes écrits sur une période de quarante ans, inédits en français, bien que déjà traduits dans plus de quarante langues. Il donne un aperçu d'une démarche originale qui, déjà, marque l'histoire de la théorie et de la pratique du théâtre dans de nombreux pays. Réflexion sur l'avant-garde des années soixante, travail sur le " théâtre environnemental ", connaissance de première main des formes non-occidentales, analyse du performance art le plus contemporain, ces pages témoignent d'une pensée en mouvement. Il était capital de traduire cette oeuvre pour qu'enfin le public français se penche sur la notion de performance telle que Richard Schechner la définit. Une notion que le créateur du Performance Group ne cesse de remettre en question en faisant appel aux sciences humaines (anthropologie, sociologie, psychologie...). Une notion qui ouvre le champ théâtral à des formes jusqu'ici considérées comme étrangères à la scène (rituels, jeux, sports...). Une notion qui permet de redéfinir, radicalement, les modes de cadrage de son objet : le théâtre.

  • Le point sur l'esthétique et la dramaturgie contemporaines, à travers les travaux de J.-P. Ryngaert. Les contributeurs s'attachent à présenter la singularité de sa pensée, mêlant pratique, théorie, pédagogie et dramaturgie, dans le champ des études théâtrales.

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