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  • Christo et Jeanne-Claude : l'Arc de Triomphe, Wrapped Nouv.

    L'oeuvre posthume de Christo et Jeanne-Claude, après 60 ans de préparation En 1961, trois ans après avoir rencontré Jeanne-Claude à Paris, Christo dessinait un projet pharaonique qui envelopperait un des monuments les plus emblématiques de la ville. 60 années, 25.000 mètres carrés de toile recyclable et 3.000 mètres de corde plus tard, la vision des deux artistes devient enfin réalité. Découvrez leur installation posthume avec ce livre qui réunit photos, croquis et une histoire de l'élaboration du projet.
    Comme la plupart des créations de Christo et Jeanne-Claude, L'Arc de Triomphe, Wrapped sera éphémère, seulement présentée pendant 16 jours, du samedi 18 septembre au dimanche 3 octobre 2021. En étroite collaboration avec le Centre des Monuments nationaux, le bâtiment historique sera emballé dans une toile en polypropylene recyclable bleu argenté grâce à des cordes recyclables rouges. Ce projet est la réalisation posthume d'un rêve de très longue date commun à Christo et Jeanne-Claude, qui dessinèrent les premiers plans pour emballer l'Arc de Triomphe en 1961, alors qu'ils louaient une petite chambre près du célèbre monument.
    Publié en guise d'hommage aux artistes défunts et à une vie de collaboration entre eux, ce livre rassemble des croquis originaux, des données techniques et des photos exclusives, pour donner à voir les coulisses et la genèse de cette oeuvre prodigieuse.
    «Je n'aurais jamais pensé que cela arriverait un jour... mais je veux que vous sachiez que nombre de ces projets peuvent être construits sans moi. Tout est déjà sur le papier.» - Christo.

    Les artistes Christo et Jeanne-Claude ont commencé à travailler ensemble en 1961 et ont vécu à New York à partir de 1964. Jeanne-Claude s'est éteinte en 2009, Christo s'est éteint en 2020. Leurs projets à grande échelle comprennent: Wrapped Coast, Australie, 1968-69; Valley Curtain, Grand Hogback, Rifle, Colorado, 1970-72; Running Fence, comtés de Sonoma et Marin, Californie, 1972-76; Surrounded Islands, Biscayne Bay, Greater Miami, Floride, 1980-83; The Pont Neuf Wrapped, Paris, 1975-85; The Umbrellas, Japon-États-Unis, 1984-91; Le Reichstag empaqueté, Berlin, 1971-95;
    Wrapped Trees, Riehen, Suisse, 1997-98, The Gates, Central Park, New York, 1979-2005, The Floating Piers, lac d'Iseo, Italie, 2014-16 et The London Mastaba, Serpentine Lake, Hyde Park, 2016-18. L'oeuvre L'Arc de Triomphe Empaqueté, Projet pour Paris sera en place pendant 16 jours, du 18 septembre au 3 octobre 2021.

  • Warhol

    Klaus Honnef

    Andy Warhol (1928-1987) apparaît aujourd'hui comme le représentant le plus important du Pop Art. Observateur critique et créatif de la société américaine, il a exploré des thèmes clés comme le consumérisme, le matérialisme, les médias et la célébrité.

    Puisant dans la publicité de son temps, les comics, les produits de consommation courante et les visages les plus célèbres de Hollywood, Warhol a proposé une réévaluation radicale de ce qui constituait le sujet artistique. Une fois passées entre les mains de Warhol, une boîte de soupe en conserve et une bouteille de Coca sont devenues aussi signes du statut d'oeuvre que n'importe quelle nature morte traditionnelle. Dans le même temps, Warhol a redéfini le rôle de l'artiste. Célèbre pour avoir déclaré: « Je veux être une machine », il effaçait systématiquement sa propre présence en tant qu'auteur de l'oeuvre, notamment en recourant à des procédés de fabrication de masse et à la répétition des images, ainsi qu'à des cohortes d'assistants avec lesquels il travaillait dans un immense atelier baptisé The Factory.

    Ce livre présente l'oeuvre aux multiples facettes du prolifique Warhol qui révolutionna les distinctions entre art « d'en haut » et « d'en bas » en explorant les notions de vie, de production et de consommation, qui demeurent centrales dans notre expérience de la modernité.

  • Autant fondée sur ses prises de position politiques et son activité sur les réseaux sociaux que sur ses interventions dans l'espace public, son approche contemporaine du « ready-made » et sa familiarité avec l'artisanat traditionnel chinois, la renommée d'Ai Weiwei dépasse largement le monde de l'art. Cette monographie explore toutes les étapes de sa carrière jusqu'à sa libération des geôles chinoises.

  • L'art de l'Égypte ancienne dont nous avons hérité n'est jamais signé; pourtant nous accordons la même valeur aux créations de ces maîtres anonymes qu'aux oeuvres réalisées des siècles plus tard, comme les statues de Michel-Ange ou les toiles de Léonard de Vinci. Cet ouvrage présente certains chefs-d'oeuvres les plus importants créés entre l'Ancien Empire, au troisième millénaire avant J.-C., et la Basse Époque, au IXe siècle avant J.-C.
    Les oeuvres comptent des sculptures, des bas-reliefs, des sarcophages, des fresques, des masques et des éléments décoratifs, dont certains figurent en bonne place au patrimoine mondial de l'humanité. Si la plupart est désormais conservée au Musée égyptien du Caire, d'autres sont exposées dans des musées prestigieux comme le Louvre à Paris, le British Museum à Londres, le Musée égyptien de Berlin et le Metropolitan Museum à New York.
    Parmi les oeuvres présentées :
    - la statue assise du roi Djéser.
    - le panneau de bois du mastaba d'Hésiré.
    - une statue de scribe réalisée avec des matériaux divers.
    - le bas-relief funéraire d'Ashayet.
    - la statue de Sésostris III en sphinx.
    - la statue dérobée de Cherihotep.
    - le bas-reliefs du temple de Carnac.
    - le sarcophage de la reine Hatshepsout.
    - les fresques de Thèbes.
    - la statue de la déesse Sekhmet assise.
    - la statue de la reine Tiyi.
    - la tête d'Akhénaton (Aménophis IV).
    - la reine Nefertiti.
    - le masque en or de Toutankhamon.
    - le Ramsès II d'Abou Simbel.
    - Horus le dieu faucon en granite.
    - le bas-relief en pierre du temple d'Horus à Edfou.

  • Analyse des symboles et de l'imagerie symbolique.
    Le livre des images associe des articles originaux et pointus sur des symboles spécifiques à des illustrations représentatives en provenance de toute la planète et de toutes les époques.
    Ces textes passionnants, illustrés par près de 800 superbes images en couleurs, offrent ainsi une vision diverse et plurielle aux multiples niveaux d'interprétation. Chacun des 350 articles se penche sur le contexte particulier et les origines d'un symbole spécifique, analysant comment celui-ci représente les processus et les dynamiques psychiques qui le sous-tendent. Racines étymologiques, jeux sur les contraires, paradoxes et ombres, la manière dont différentes cultures ont abordé l'imagerie symbolique - tous ces facteurs sont pris en considération.
    Rédigés par des auteurs spécialistes de la psychologie, de la religion, de l'art, de la littérature et de la mythologie comparée, ces articles se répondent les uns aux autres d'une façon rappelant les méandres de la psyché. Les définitions offertes ici ne sont pas de celles qui enlèvent aux symboles leur magie et leur signification ; un symbole qui conserve son importance doit en effet demeurer en partie obscur pour pouvoir attirer notre attention et acquérir de nouvelles significations au fil du temps.
    Au lieu de ne se livrer qu'à une banale opération de classification, le Livre des images met en lumière comment passer de l'appréhension visuelle d'un symbole artistique, religieux, vivant ou rêvé à une expérience aux échos personnels et psychologiques.
    Le Livre des images établit une nouvelle référence dans l'exploration approfondie des symboles et de leurs significations, et intéressera un grand nombre de lecteurs variés : artistes, designers, rêveurs et interprètes des rêves, psychothérapeutes, curieux d'épanouissement personnel, joueurs, lecteurs de bandes dessinées, chercheurs en religion et en spiritualité, écrivains, étudiants, ainsi que tous ceux qui s'intéressent au pouvoir des images archétypales.

  • Claude Monet - le plus représentatif et le plus singulier des impressionnistes.

    "Voici l'ouvrage incontournable sur Monet: tout ce qui a été publié avant ou après paraîtra par comparaison bien moins important [.] C'est la seule publication facilement accessible qui propose une vision complète de l'oeuvre de Monet - autant dire qu'elle fait autorité." - The Good Book Guide, Londres À part Turner, aucun artiste n'a comme Claude Monet (1840-1926) autant travaillé à capturer la lumière sur la toile. De tous les impressionnistes, celui dont Cézanne disait qu'il n'était « qu'un oeil, mais bon Dieu, quel oeil ! », est le seul à ne jamais s'être écarté du principe de fidélité absolue à la sensation visuelle, peignant au plus près de ce qu'il voyait.

    On a dit que Monet avait réinventé les possibilités de la couleur. Que ce soit à travers son intérêt précoce pour les estampes japonaises, le temps qu'il passé pendant son service militaire sous la lumière éblouissante de l'Algérie ou le fait qu'il connaissait personnellement les plus grands peintres de la fin du XVIIIe siècle, il est vrai que ce que Monet a créé tout au long de sa carrière a changé pour toujours notre manière de percevoir le monde tel qu'il est et ce qui nous entoure. Il atteint le sommet de ses recherches avec la série tardive des nymphéas peinte dans son jardin de Giverny, qui, par la manière dont elle se détache quasiment de la forme, constitue véritablement l'origine de l'art abstrait.

    Cette biographie rend parfaitement justice à cet artiste absolument remarquable qui compte parmi les plus marquants et offre de nombreuses reproductions et photos d'archives pour accompagner un commentaire aussi fin qu'approfondi.

  • Le travail du couple d'artistes Christo (né en 1935) et Jeanne-Claude (1935-2009) résiste à la moindre catégorisation. À mi-chemin entre l'art, l'aménagement urbain, l'architecture et l'ingénierie, il relève avant tout d'une esthétique unique: des interventions surréalistes et féériques sur l'environnement qui ont magnifié indifféremment monuments, parcs publics et centres du pouvoir.

    Cet ouvrage compact parcourt l'intégralité de la carrière du couple d'artistes qui sont nés exactement le même jour, se sont rencontrés à Paris, sont tombés amoureux l'un de l'autre et ont formé un binôme créatif à nul autre pareil. Richement illustré, le livre évoque les premiers projets de Christo et Jeanne-Claude dans les années 1950 et s'achève par le projet The Floating Piers qui sera installé sur le lac Iseo en Italie, en 2016. Il rend hommage à toutes les plus célèbres interventions du couple sur l'environnement, telles que The Gates à Central Park, à New York, et Wrapped Reichstag (Le Reichstag empaqueté) à Berlin, tout en comprenant des documents inédits, inconnus du grand public, comme des dessins de jeunesse et des photos de famille.

  • Pop Art

    Klaus Honnef

    Culminant dans les années 1960, le Pop Art est né en rébellion contre les approches traditionnelles de l'art et de la culture avant d'évoluer vers une vaste remise en question de la société moderne, de la culture de consommation, du rôle de l'artiste et de ce qui fait une oeuvre d'art.

    En se concentrant sur les enjeux du matérialisme, de la célébrité et des médias, le Pop Art s'est inspiré de la culture de masse, de l'imagerie publicitaire aux comics, des têtes les plus connues de Hollywood aux emballages de produits de consommation, dont les boîtes de soupe Campbell's d'Andy Warhol sont le meilleur exemple. Tout en défiant l'establishment en élevant au rang d'oeuvre d'art des images aussi populaires, banales et kitsch, le Pop Art a également déployé des méthodes de production de masse, plaçant l'artiste singulier en retrait par des techniques mécanisées comme la sérigraphie.

    À travers Andy Warhol, Allen Jones, Ed Ruscha, Robert Indiana, Jasper Johns, Robert Rauschenberg et Roy Lichtenstein, entre autres, ce livre illustre toute la portée et l'influence de ce mouvement moderniste déterminant.

  • Bauhaus

    Magdalena Droste

    • Taschen
    • 18 Janvier 2019

    Pendant les 14 années que dura la brève période de l'entre-deux-guerres, l'école allemande d'art et de design du Bauhaus bouleversa le visage de la modernité. Mettant en pratique ses idéaux utopiques, cette école pionnière entreprit de réunir les beaux-arts, l'artisanat et la technologie, fusion qui s'appliqua aux moyens et aux pratiques artistiques, du cinéma au théâtre, de la sculpture à la céramique.
    Cvéritable best-seller, cet ouvrage de référence a été réalisé en collaboration avec le Bauhaus-Archiv/Museum für Gestaltung de Berlin qui abrite à ce jour la plus importante collection sur l'histoire du Bauhaus. Documents, études, plus de 250 photographies inédites, croquis, plans, maquettes et prototypes retracent les oeuvres réalisées ainsi que les grands principes et les personnalités qui ont formé ce collectif d'artistes idéalistes, au fil de ces trois lieux d'implantation à Weimar, Dessau et Berlin. Des clichés pris sur le vif pendant les séances de gymnastique aux croquis réalisés par des élèves de Paul Klee, des immenses plans architecturaux au cendrier si élégant de Marianne Brandt, la collection vibre des couleurs, des matières et des formes géométriques caractéristiques de l'oeuvre d'art «totale», concept au coeur de la vision du Bauhaus.
    À l'heure du centenaire du Bauhaus, cet ouvrage de référence résume parfaitement l'énergie et la rigueur du Bauhaus, qui ne fut pas qu'un mouvement précurseur du modernisme mais posa aussi les bases de la formation artistique, selon lesquelles l'expression créative et les idées novatrices conduiraient à des oeuvres autant fonctionnelle qu'esthétiques. Cette édition plus maniable aborde notamment le travail d'artistes tels que Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe, Lilly Reich et bien d'autres.

  • Bien qu'il n'ait duré que trois années de turbulence, le mouvement Der Blaue Reiter ou «Cavalier bleu» (1911-1914), loin d'être réduit en cendres, a exercé une influence considérable sur le développement de l'art moderne européen. Baptisé ainsi d'après une peinture de Kandinsky, Le Cavalier bleu, ce collectif informel d'artistes regroupés autour de l'émigré russe Wassily Kandinsky et du peintre allemand Franz Marc cherchait à rejeter les normes établies et à pénétrer avec fracas dans un inconnu artistique renouvelé.

    Associant leurs valeurs spirituelles et leurs craintes devant une époque d'industrialisation effrénée, les artistes du Blaue Reiter étaient réunis par un intérêt commun pour la peinture, la gravure sur bois et les estampes, ainsi que par la symbolique des couleurs et une approche spontanée de la création. Des oeuvres d'art maîtresses telles que Cheval bleu I de Franz Marc (1911), Avec l'arc noir de Kandinsky (1912) et Jeunes filles sous les arbres d'August Macke (1914) abordent des sujets variés, mais se caractérisent toutes par des perspectives distordues, des lignes grossières et une utilisation hyperbolique et expressionniste de la couleur.
    Der Blaue Reiter fut brutalement disloqué, au début de la Première Guerre mondiale, à la suite de la mort de deux de ses membres éminents et des dissensions croissantes entre les protagonistes du groupe. Cet ouvrage révèle l'influence remarquable du mouvement, en dépit de sa brièveté, et en présente les oeuvres majeures, les artistes et leurs influence postérieures.

  • Aussi vivifiante que son langage visuel unique, cette monographie présente le travail de Beatriz Milhazes, la peintre brésilienne qui fusionne l'abstraction moderniste avec les couleurs et la lumière de son pays natal. Élargie à ses pièces de 2020, cette édition explore toutes les phases créatives de l'artiste et présente plus de 280 oeuvres, de ses débuts à aujourd'hui.

  • Package design book 6

    Nora Dohrmann

    Un bon design de packaging s'impose au vu du nombre croissant de produits se disputant l'attention des consommateurs. Les Pentawards sont devenus une référence en matière d'emballages de qualité en récompensant des créations du monde entier. Avec plus de 500 projets de plus de 45 pays, cette sixième édition présente tous les lauréats 2019 et 2020, prouvant toute la pertinence de cette discipline.

  • Du Livre de Kells au Décaméron de Boccace, et de la Genèse de Vienne à La Divine Comédie de Dante, ouvrir le Codices illustres, c'est ouvrir la porte d'un monde secret et précieux. Désormais dans un nouveau format, ce livre resplendissant vous permet de découvrir de près 167 des plus beaux et plus importants manuscrits médiévaux. Merveilleusement reproduites en grand format, ces références en matière de miniatures et d'enluminures du IVe siècle à 1600 ont jadis appartenu à quelques-uns des plus grands personnages de l'Histoire. Trésors de l'histoire de l'art, elles valent plusieurs millions et dormaient jusqu'à aujourd'hui dans des collections privées ou des archives bien gardées.

    Bien que ce recueil se concentre surtout sur les manuscrits européens, des exemples choisis dans les traditions mexicaine, perse et indienne viennent illustrer le raffinement et la complexité de l'enluminure de manuscrit dans les cultures non européennes. Une présentation instructive de chaque manuscrit permet au lecteur de s'orienter d'un simple coup d'oeil, et une annexe de 36 pages regroupe les biographies des artistes, ainsi qu'une bibliographie exhaustive, un index et surtout un glossaire des termes techniques.

  • Art record covers Nouv.

    Art record covers

    Francesco Spampinato

    Dès la naissance du modernisme, production musicale et création visuelle ont entretenu une relation des plus étroites. De L'Arte dei Rumori (L'Art des bruits), manifeste futuriste de Luigi Russolo publié en 1913, aux Rotoreliefs de 1925, les disques recto-verso de Marcel Duchamp, le XXe siècle a été le témoin des échanges de plus en plus fertiles entre sons et formes, symboles et mélodies, et entre tous les champs de la composition et de la performance.
    Dirigée par Francesco Spampinato, cette anthologie exceptionnelle des pochettes de disque créées par des artistes dévoile à quel rythme cette histoire culturelle singulière s'est écrite. Le livre présente 500 pochettes d'album et de disque des années 1950 à aujourd'hui signées par des artistes de l'image, qui révèlent à quel point modernisme, pop art, art conceptuel, postmodernisme et d'autres formes d'art contemporain ont imprimé leur mouvement à ce domaine annexe de la production visuelle, et ont soutenu l'industrie musicale de masse grâce à leur imaginaire essentiel évoquant spontanément la rencontre sonore.
    Au fil des pages, on retrouve les hiéroglyphes urbains créés par Jean-Michel Basquiat pour Tartown, sa propre maison de disques, le graffiti de Banksy réalisé au pochoir pour Blur, le crâne de Damien Hirst, symbole créé pour The Hours, et un papillon épinglé par Salvador Dalí pour l'album Lonesome Echo de Jackie Gleason. Ils sont accompagnés par des explications claires et une fiche descriptive rappelant l'artiste, l'interprète, le nom de l'album, le label, la date de sortie et des informations sur l'oeuvre d'art d'origine. Des entretiens avec Tauba Auerbach, Shepard Fairey, Kim Gordon, Christian Marclay, Albert Oehlen et Raymond Pettibon apportent un témoignage personnel sur les coulisses de ces collaborations entre artistes et musiciens.

  • Renaissance

    Manfred Wundram

    • Taschen
    • 1 Août 2006

    L'art tel que nous le connaissons aujourd'hui n'aurait jamais pu exister si l'oeuvre révolutionnaire des artistes de la Renaissance ne lui avait ouvert la voie. Unanimement considérée comme le mouvement le plus important et le plus déterminant de l'histoire des beaux-arts, de la littérature, de l'architecture et de la science, la Renaissance a profondément marqué l'émergence de la civilisation occidentale entre le Moyen Âge et l'époque moderne. Le mouvement est né en Italie au XIVe siècle avant de s'étendre à toute l'Europe à la fin du siècle suivant, les principaux foyers d'activité artistique se situant à Florence, aux Pays-Bas et en Allemagne. Pour la première fois, l'art s'est intellectualisé ; influencés par l'humanisme, des artistes ont fait l'expérience de sujets profanes et ont ressuscité l'Antiquité classique. Les progrès de l'anatomie et de la géométrie ont permis aux Italiens d'améliorer le réalisme de leurs représentations en termes d'espace et de perspective, alors que de nouvelles techniques de peinture à l'huile ont fait la réputation de la peinture flamande, et que la gravure, sur bois notamment, est devenue la spécialité des Allemands.

    Artistes inclus: Albrecht Altdorfer, Fra Angelico, Giovanni Bellini, Hieronymus Bosch, Sandro Botticelli, Pieter Breughel, Agnolo Bronzino, Vittore Carpaccio, François Clouet, Correggio, Lucas Cranach the Elder, Albrecht Dürer, El Greco, School of Fontainebleau, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Giorgione, Matthias Grünewald, Maerten van Heemskerck, Hans Holbein the Younger, Fra Filippo Lippi, Lorenzo Lotto, Andrea Mantegna, Masaccio, Antonello da Messina, Michelangelo, Parmigianino, Pontormo, Raphael, Luca Signorelli, Tintoretto, Titian, Paolo Uccello, Veronese, Leonardo da Vinci

  • Qui aurait donc bien pu prévoir, au soir du 31 décembre 1899, que cent ans plus tard la peinture et la sculpture ne seraient plus des supports incontournables, mais seulement possibles. Le mot «art» a été défini et redéfini tant de fois ces 100 dernières années qu'il s'est enrichi de connotations sociales, politiques et techniques tout à fait nouvelles.

    Ce superbe ouvrage encyclopédique, très agréable à lire, couvre tout le spectre des disciplines artistiques, dont la photographie et les nouveaux médias; organisé thématiquement par chapitre, pour mettre en évidence les relations entre oeuvres et mouvements, il remplit parfaitement son objet. Que vous recherchiez le surréalisme, le Land Art, le Fluxus ou le Bauhaus, voici le guide qui vous dispense de tous les autres guides consacrés à l'art du XXe siècle.

  • L'écriture fait des miracles: elle nous transporte dans les moments qui ont fait l'Histoire, la créativité et le quotidien de l'humanité, et nous relie intimement à des personnages qui ont laissé leur marque dans la conscience collective. Pendant près d'un demi-siècle, l'auteur et éditeur brésilien Pedro Corrêa do Lago a constitué l'une des collections d'autographes les plus complètes de notre époque en acquérant des milliers de lettres et autres documents manuscrits: partitions, photos et dessins dédicacés.
    Depuis un parchemin de 1153, portant la signature de quatre papes médiévaux, jusqu'à l'empreinte de pouce laissée par le physicien Stephen Hawking en 2006, les documents présentés dans ce livre couvrent près de 900 ans d'Histoire et convoquent les écrivains, artistes, compositeurs, figures de la politique ou du divertissement, explorateurs, scientifiques et philosophes qui ont marqué cette période de leur empreinte, ainsi que les rebelles qui sont entrés dans la légende par leurs actions et réactions.
    Plutôt que de se concentrer sur une époque ou de se limiter à un sujet, Corrêa do Lago a pris l'ambitieuse décision de rechercher des autographes importants dans huit domaines de l'aventure humaine: l'art, l'histoire, la littérature, la science, la musique, la philosophie, l'exploration et le divertissement. Les 140 documents extraordinaires réunis dans ce livre - présentés pour la première fois dans une grande exposition à la Morgan Library de New York - comprennent des lettres de Lucrèce Borgia, Vincent Van Gogh ou Emily Dickinson, des croquis annotés de Michel-Ange, Jean Cocteau et Charlie Chaplin, et des manuscrits de Giacomo Puccini, Jorge Luis Borges et Marcel Proust.
    L'écriture manuscrite est l'un des moyens les plus intimes permettant de laisser une trace de nos vies. À une époque où une si grande part de notre communication est immatérielle, ce recueil évoque le pouvoir de la plume dans sa façon de révéler l'énergie, la passion, la vulnérabilité et l'imagination de l'humanité à travers les âges.

  • Achevé vers 1474, le manuscrit de Sébastien Mamerot, aux somptueuses illustrations, est le seul document contemporain décrivant plusieurs siècles de croisades françaises, pendant lesquels les rois successifs ont tenté de s'emparer de la Terre Sainte. Jean Colombe, l'enlumineur médiéval célèbre pour son travail sur les Très Riches Heures du Duc de Berry, a réalisé la plupart des 66 merveilleuses miniatures.

    Les Passages d'Outremer, conservé à la Bibliothèque Nationale de France, se compose de 277 folios de parchemin, illustrés par Colombe et les meilleurs calligraphes médiévaux. Cette nouvelle édition cartonnée dans notre populaire format Klotz comprend une traduction intégrale du manuscrit, accompagnée de 66 miniatures colorées de Jean Colombe reproduites en respectant la moindre nuance des rehauts d'or médiévaux, accompagnées de leurs explications. Les illustrations de batailles, funérailles et processions s'animent sous nos yeux dans un tableau percutant, qui accompagne le récit prenant de cette campagne de ferveur religieuse et ce périple épique qui a duré des siècles.

    Edition complète, adaptée et commentée.

  • 90 years ago, a young animator put everything on a single card: Walt Disney's Mickey Mouse became an instant icon and changed the face of modernity. TASCHEN's second volume of one of the most expansive illustrated publications on the Disney universe celebrates Mickey's complete legacy: 1,500 images such as behind-the-scenes shots and rare animation sketches celebrate the art behind all of the about 150 classic cartoons, the timeless comic adventures and the world of Mickey merchandise and memorabilia.
    The landmark volume spans the legendary Mickey Mouse Club as well as unfinished projects.

  • Grand tour

    Harry Seidler

    • Taschen
    • 16 Mai 2013

    L'architecte Harry Seidler a voyagé pendant plus d'un demi-siècle dans le monde entier pour effectuer un reportage complet sur les plus grandes réalisations architecturales, de 3 000 ans avant J.-C. jusqu'à nos jours. Grâce au conseil avisé de son frère Marcell, également photographe («Pour une bonne conservation, n'utilise que des appareils Leica et des pellicules Kodachrome»), ce qui n'était encore qu'un passe-temps pour Seidler s'est rapidement transformé en passion, qui aboutit à cet impressionnant travail de catalogage de l'architecture mondiale.

    Les photographies de Seidler, qui comptent bien sûr nombre des plus célèbres monuments architecturaux, illustrent, pays par pays, l'histoire et le style de l'architecture en Europe, au Moyen-Orient, en Asie et en Amérique. Chaque chapitre est consacré à un pays, dont l'histoire architecturale est brièvement présentée. Cette sélection des meilleurs clichés de Seidler offre aux voyageurs en chambre, aux étudiants, aux passionnés d'architecture comme aux historiens l'occasion de parcourir des bâtiments du monde entier grâce aux photographies d'un seul homme, fruits d'une entreprise passionnée d'un demi-siècle.

  • Durant la période florissante qui s'étend des années 1880 à la Première Guerre mondiale, les cultures européenne et américaine s'en sont remis à la nature. Dans un concert de lignes fluides et de formes naturelles, l'Art nouveau a étendu son influence sur l'architecture, le design, la peinture, le graphisme, les arts appliqués ainsi que l'illustration.

    L'Art nouveau a clairement revendiqué sa nouveauté. Dans un esprit de réforme délibéré, ses adeptes ont cherché à se démarquer de l'historicisme imitatif qui avait caractérisé une grande partie de l'art du XIXe siècle pour le remplacer par des éléments ondulants et décoratifs. Se tournant ainsi vers les vrilles de la vigne, les bourgeons en fleurs et les plumes, ils n'ont pas tant cherché à atteindre la liberté linéaire des formes naturelles qu'à se libérer du poids des traditions et des attentes artistiques.

    Dans le même temps, l'Art nouveau a suivi l'exemple des mouvements précurseurs de l'Esthétique anglaise et de l'Arts and Crafts pour rejeter les hiérarchies établies dans les pratiques artistiques, favoriser le retour à la fabrication artisanale et réunir l'ensemble des médias et des pratiques artistiques dans une Gesamtkunstwerk, ou «oeuvre d'art totale». En cela, et à travers son retour à la nature, l'Art nouveau est souvent considéré comme une réponse à la Révolution industrielle, une méfiance vis-à-vis de la production mécanisée en série et un éloge adressé à la main de l'homme et aux merveilles de la nature et du plein air.
    Cette nouvelle édition TASCHEN aborde l'Art nouveau comme un phénomène historique dans son ensemble en tenant compte de ses variantes locales. Le livre évoque le contexte artistique, économique et politique de ce style de façon globale, autant que ses spécificités développées dans des grandes métropoles telles que Vienne, Glasgow, Munich, Weimar et Chicago. Ses grands défenseurs tels que Victor Horta, Antoni Gaudí et Charles Rennie Mackintosh sont associés aux villes qu'ils ont le plus marquées de leur empreinte. Le résultat donne une présentation vivante de l'époque et d'un mouvement qui s'est ancré dans notre représentation de cette fin de siècle comme il s'est ancré dans le chemin vers le modernisme.

  • Jeff Koons

    Collectif

    • Taschen
    • 1 Avril 2008

    La superstar de l'Après pop: Etude en profondeur de l'oeuvre de Jeff Koons.
    De l'étrange au kitsch ou au conceptuel, l'art de Koons est tout sauf conformiste. Il ébranla les codes de l'art mondial dans les années 1980 avec ses sculptures de basketball ou ses jouets en inox. Il prolonge sa réputation de bad boy en se mariant avec l'actrice porno italienne Cicciolina. Suite à cette phase torride, il créa Puppy, la sculpture gigantesque qui orne aujourd'hui le musée Guggenheim de Bilbao. Son exploration de l'ordinaire, l'incarnation du kitsch et de l'imagerie pop sont devenues sa signature. Malgré de nombreux détracteurs son apport à l'art contemporain est indéniable et cette monographie exhaustive limitée à 1500 exemplaires numérotés et signés lui rend hommage. S'ouvrant sur un essai biographique par Ingrid Sischy, l'ouvrage se poursuit sur l'évolution chronologique du travail de Koons de 1979 à nos jours, commentée par l'historienne de l'art Katy Siegel et copieusement illustrée. Les fans de Jeff Koons n'y trouveront pas seulement un somptueux livre objet, mais également l'étude la plus complète

  • Francisco José de Goya y Lucientes (1746-1828), un des peintres les plus admirés et les plus controversés, est connu pour ses tableaux intenses, effrayants et parfois grotesques traduisant l'injustice sociale avec une violente sincérité. Peintre de cour pour la couronne espagnole, il a saisi à travers ses oeuvres des instantanés de la vie espagnole de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècles. S'il se situe à la fin de la période des vieux maîtres, Goya, dont les toiles audacieuses et subversives ont eu une influence déterminante, peut être considéré comme le premier peintre moderne. On retrouve son empreinte dans les oeuvres d'artistes aussi différents que Pablo Picasso ou Francis Bacon.

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