Livres en VO

  • Anglais Warhol

    Klaus Honnef

    Andy Warhol (1928-1987) apparaît aujourd'hui comme le représentant le plus important du Pop Art. Observateur critique et créatif de la société américaine, il a exploré des thèmes clés comme le consumérisme, le matérialisme, les médias et la célébrité.

    Puisant dans la publicité de son temps, les comics, les produits de consommation courante et les visages les plus célèbres de Hollywood, Warhol a proposé une réévaluation radicale de ce qui constituait le sujet artistique. Une fois passées entre les mains de Warhol, une boîte de soupe en conserve et une bouteille de Coca sont devenues aussi signes du statut d'oeuvre que n'importe quelle nature morte traditionnelle. Dans le même temps, Warhol a redéfini le rôle de l'artiste. Célèbre pour avoir déclaré: « Je veux être une machine », il effaçait systématiquement sa propre présence en tant qu'auteur de l'oeuvre, notamment en recourant à des procédés de fabrication de masse et à la répétition des images, ainsi qu'à des cohortes d'assistants avec lesquels il travaillait dans un immense atelier baptisé The Factory.

    Ce livre présente l'oeuvre aux multiples facettes du prolifique Warhol qui révolutionna les distinctions entre art « d'en haut » et « d'en bas » en explorant les notions de vie, de production et de consommation, qui demeurent centrales dans notre expérience de la modernité.

  • L'art de l'Égypte ancienne dont nous avons hérité n'est jamais signé; pourtant nous accordons la même valeur aux créations de ces maîtres anonymes qu'aux oeuvres réalisées des siècles plus tard, comme les statues de Michel-Ange ou les toiles de Léonard de Vinci. Cet ouvrage présente certains chefs-d'oeuvres les plus importants créés entre l'Ancien Empire, au troisième millénaire avant J.-C., et la Basse Époque, au IXe siècle avant J.-C.
    Les oeuvres comptent des sculptures, des bas-reliefs, des sarcophages, des fresques, des masques et des éléments décoratifs, dont certains figurent en bonne place au patrimoine mondial de l'humanité. Si la plupart est désormais conservée au Musée égyptien du Caire, d'autres sont exposées dans des musées prestigieux comme le Louvre à Paris, le British Museum à Londres, le Musée égyptien de Berlin et le Metropolitan Museum à New York.
    Parmi les oeuvres présentées :
    - la statue assise du roi Djéser.
    - le panneau de bois du mastaba d'Hésiré.
    - une statue de scribe réalisée avec des matériaux divers.
    - le bas-relief funéraire d'Ashayet.
    - la statue de Sésostris III en sphinx.
    - la statue dérobée de Cherihotep.
    - le bas-reliefs du temple de Carnac.
    - le sarcophage de la reine Hatshepsout.
    - les fresques de Thèbes.
    - la statue de la déesse Sekhmet assise.
    - la statue de la reine Tiyi.
    - la tête d'Akhénaton (Aménophis IV).
    - la reine Nefertiti.
    - le masque en or de Toutankhamon.
    - le Ramsès II d'Abou Simbel.
    - Horus le dieu faucon en granite.
    - le bas-relief en pierre du temple d'Horus à Edfou.

  • Anglais Pop Art

    Klaus Honnef

    Culminant dans les années 1960, le Pop Art est né en rébellion contre les approches traditionnelles de l'art et de la culture avant d'évoluer vers une vaste remise en question de la société moderne, de la culture de consommation, du rôle de l'artiste et de ce qui fait une oeuvre d'art.

    En se concentrant sur les enjeux du matérialisme, de la célébrité et des médias, le Pop Art s'est inspiré de la culture de masse, de l'imagerie publicitaire aux comics, des têtes les plus connues de Hollywood aux emballages de produits de consommation, dont les boîtes de soupe Campbell's d'Andy Warhol sont le meilleur exemple. Tout en défiant l'establishment en élevant au rang d'oeuvre d'art des images aussi populaires, banales et kitsch, le Pop Art a également déployé des méthodes de production de masse, plaçant l'artiste singulier en retrait par des techniques mécanisées comme la sérigraphie.

    À travers Andy Warhol, Allen Jones, Ed Ruscha, Robert Indiana, Jasper Johns, Robert Rauschenberg et Roy Lichtenstein, entre autres, ce livre illustre toute la portée et l'influence de ce mouvement moderniste déterminant.

  • Selon la majorité des historiens d'art, l'aventure de l'art moderne a débuté à Paris il y a environ 150 ans. Un cercle de peintres, aujourd'hui connus sous le nom d'impressionnistes, se mit à travailler par touches rapides et libres. Ils privilégièrent les sujets de la vie quotidienne et urbaine, au lieu des pompeuses scènes héroïques, et échappèrent à la puissance des Salons en organisant leurs propres expositions indépendantes.

    Après cette première attaque contre une pratique académique dépassée, il n'était plus question de faire marche arrière. Constamment nourris par une aspiration à défier, innover et inspirer, les styles modernistes se succédèrent : symbolisme, expressionnisme, futurisme, dadaïsme, art abstrait, Nouveau Réalisme, Surréalisme, expressionnisme abstrait, Pop Art, art minimal et art conceptuel.
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    Cette incontournable synthèse retrace l'inépuisable énergie de l'art moderne en présentant, année après année, les oeuvres révolutionnaires qui ont déjoué les conventions et brisé les barrières. En introduction, des essais mettent en lumière les mouvements modernistes les plus significatifs et les plus influents. Ils sont complétés par des textes expliquant chaque oeuvre majeure et présentant son créateur.

  • Anglais Bauhaus

    Magdalena Droste

    En l'espace de quatorze années fugaces, prise en étau entre deux guerres mondiales, l'école d'art et de design allemande Bauhaus a changé la face de la modernité. Guidée par des idéaux utopiques, l'école développa une fusion révolutionnaire entre beaux-arts, artisanat et technologie, qui s'appliquerait à la peinture, la sculpture, le design, l'architecture, le cinéma, la photographie, l'art textile, la céramique, le théâtre et les installations d'art.

    À la fois communauté intensément humaine et collectif ouvert au public, le Bauhaus fut fondé par Walter Gropius (1883-1969) et compta parmi ses membres Josef et Anni Albers, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Gunta Stölzl, Marianne Brandt et Ludwig Mies van der Rohe. Dans ses locaux successivement installés à Weimar, Dessau et Berlin, l'école encouragea les échanges charismatiques et créatifs entre enseignants et étudiants, tous dotés de styles et de goûts personnels et variés, mais unis par leur idéalisme et leur intérêt profond pour l'oeuvre d'art totale, qui puise dans différentes disciplines et pratiques.

    Ce livre célèbre l'audace novatrice du mouvement Bauhaus, précurseur dans le développement du modernisme et paradigme de l'éducation artistique, au sein duquel la conjonction entre totale libération de l'expression créative et idées d'avant-garde donna naissance à des créations magnifiques et fonctionnelles.

  • Découvrez 200 estampes japonaises parmi les plus exceptionnelles réalisées entre 1680 et les années 1940. Des illustrations d'artistes comme Hokusai, Hiroshige et Utamaro sont reproduits dans une qualité exceptionnelle et offrent l'occasion précieuse d'un face à face avec ces chefs-d'oeuvre marquants, qui ont influencé l'impressionisme, l'expressionnisme, l'Art nouveau et bien d'autres courants.

  • Espagnol Autoportraits

    Ernst Rebel

    Le soi comme sujet est l'une des entreprises artistiques parmi les plus fascinantes et prolifiques. Du XVe siècle à nos jours, cette anthologie rassemble certains des meilleurs exemples d'autoportraits afin d'explorer l'évolution du genre selon les époques, ainsi que notre rapport à la singularité et à la représentation de soi, qui assaille l'humanité depuis des siècles, bien avant les réseaux sociaux et les selfies.

    L'autoportrait d'un artiste est-il est un vecteur ou un reflet ? Ou est-ce un sombre néant, ce « faux miroir » qui donne son titre à la peinture d'un oeil réalisée par le surréaliste René Magritte en 1928 ? Que dit-il sur la perception de la beauté, du pouvoir et du statut social à chaque époque ? D'Albrecht Dürer à Egon Schiele, de Fra Filippo Lippi à Frida Kahlo, ce recueil explore dans toute sa variété la manière dont les artistes se sont pris pour sujets, la diversité des méthodes ingénieuses et des perspectives qu'ils ont utilisées et les questions fascinantes qu'elles soulèvent.

  • Du Livre de Kells au Décaméron de Boccace, et de la Genèse de Vienne à La Divine Comédie de Dante, ouvrir le Codices illustres, c'est ouvrir la porte d'un monde secret et précieux. Désormais dans un nouveau format, ce livre resplendissant vous permet de découvrir de près 167 des plus beaux et plus importants manuscrits médiévaux. Merveilleusement reproduites en grand format, ces références en matière de miniatures et d'enluminures du IVe siècle à 1600 ont jadis appartenu à quelques-uns des plus grands personnages de l'Histoire. Trésors de l'histoire de l'art, elles valent plusieurs millions et dormaient jusqu'à aujourd'hui dans des collections privées ou des archives bien gardées.

    Bien que ce recueil se concentre surtout sur les manuscrits européens, des exemples choisis dans les traditions mexicaine, perse et indienne viennent illustrer le raffinement et la complexité de l'enluminure de manuscrit dans les cultures non européennes. Une présentation instructive de chaque manuscrit permet au lecteur de s'orienter d'un simple coup d'oeil, et une annexe de 36 pages regroupe les biographies des artistes, ainsi qu'une bibliographie exhaustive, un index et surtout un glossaire des termes techniques.

  • Jusqu'en mai 2017, Robert Crumb était seulement considéré comme le plus grand artiste underground. Puis, la couverture qu'il a dessinée en 1969 pour Fritz the Cat s'est vendue à 717.000$, un montant record, le plus haut jamais atteint par une planche de bande dessinée, et ce qualificatif a fait long feu. Aujourd'hui, tout ce qui porte la signature de Crumb prend de plus en plus de valeur; c'est le moment idéal pour vous présenter R. Crumb. Sketchbook, Volume 3: Jan. 1975 - Dec. 1982.
    Ce volume, qui combine les tomes 5 et 6 du second coffret de R. Crumb Sketchbook, a été réalisé directement à partir des oeuvres originales appartenant à un fervent collectionneur français. Voici donc un savoureux pavé de 444 pages de Crumb, pour bien moins cher que les originaux, si rares et recherchés. Parmi les centaines de sujets croqués figurent le déménagement de Crumb dans la campagne californienne, son mariage avec Aline Kominsky, la naissance de leur fille Sophie, mais aussi de Mr. Natural et des facétieux Snoids, les strips Arcade, la grogne politique et les angoisses existentielles, des femmes immenses et puissantes et des petits hommes à lunettes, Mao Zedong, Mick Jagger et l'indignation morale, le tout protégé dans un ouvrage relié de qualité dont les illustrations ont été récemment colorées à la main par Crumb lui-même.

  • Dès la naissance du modernisme, production musicale et création visuelle ont entretenu une relation des plus étroites. Depuis La Musique de Henri Matisse (1910) et le poème sonore « Karawane » de Hugo Ball (1916) jusqu'aux « accords » visuels de Kandinsky, le XXe siècle a été le témoin des échanges de plus en plus fertiles entre sons et formes, symboles et mélodies, et entre tous les champs de la composition et de la performance.

    Cette anthologie exceptionnelle des pochettes de disque créées par des artistes dévoile à quel rythme cette histoire culturelle singulière s'est écrite. Le livre présente 600 pochettes d'album et de disque des années 1950 à aujourd'hui qui sont passées entre les mains d'un artiste. Classées par artiste, elles révèlent à quel point art moderne, post-moderne, Pop Art, street art et pratique conceptuelle ont imprimé leur mouvement à ce domaine annexe de la production visuelle, et ont soutenu l'industrie musicale de masse grâce à leur imaginaire essentiel évoquant spontanément la rencontre sonore.

    Au fil des pages, on retrouve les hiéroglyphes urbains créés par Jean-Michel Basquiat pour Tartown, sa propre maison de disques, le graffiti de Banksy réalisé au pochoir pour Blur, le crâne de Damien Hirst, synecdoque pour The Hours, et un papillon épinglé par Salvador Dalí pour l'album Lonesome Echo de Jackie Gleason. Les pochettes sont accompagnées de courtes explications et d'une fiche descriptive rappelant l'artiste, l'interprète, le nom de l'album, le label, la date de sortie et des informations sur l'oeuvre d'art d'origine. Des entretiens avec Tauba Auerbach, Shepard Fairey, Kim Gordon, Christian Marclay, Albert Oehlen et Raymond Pettibon apportent un témoignage personnel et une plongée dans les coulisses de ces collaborations entre artistes et musiciens.

  • Espagnol Renaissance

    Manfred Wundram

    L'art tel que nous le connaissons n'existerait pas sans la Renaissance. Largement considéré comme le phénomène le plus fertile à l'oeuvre dans l'art, l'architecture, la littérature et les sciences, ce mouvement a révolutionné la conception occidentale du réel et marqué l'émergence de la modernité au lendemain du Moyen Âge.

    La Renaissance s'est d'abord affirmée en Italie à la fin du XIVe siècle, avant de s'étendre à toute l'Europe aux siècles suivants, avec pour épicentres dynamiques Florence, les Pays-Bas et l'Allemagne. Intellectuellement, le mouvement se fonde sur l'humanisme, qui dérive de la philosophie grecque classique. À travers l'art, la science, la littérature et la politique, les partisans de la Renaissance affirment que l'homme est « la mesure de toute chose » et sont déterminés à remplacer le carcan scolastique médiéval par un renouveau de l'Antiquité.

    Sous l'influence de l'humanisme, les artistes se passionnent pour l'anatomie et la géométrie jusqu'à accomplir de nouvelles prouesses en matière de représentation figurative et à révolutionner le traitement de la perspective pour refléter l'expérience humaine du positionnement dans l'espace. Dans la peinture flamande, des artistes comme Bruegel apportent à leurs natures mortes et à leurs paysages de nouvelles techniques et une sensibilité palpable, tandis qu'en Allemagne Dürer et Cranach imprègnent la gravure d'une densité dramatique et psychologique inédites.

    De Florence à Nuremberg, de Venise à Bruges, cet ouvrage essentiel de la Petite Collection 2.0 de TASCHEN offre des connaissances fiables sur la profondeur de la transformation et l'ampleur de la Renaissance. À travers les célèbres maîtres de ce mouvement et ses adeptes moins célèbres, grâce à une étude fine de son contexte social et politique, ainsi que de ses diversions et ses évolutions au fil du temps et au gré de la géographie, cet ouvrage donne une vision complète de ce phénomène extraordinaire, ces quelques siècles de bouleversements qui ont façonné des génies et permis une grande variété régionale et une reconfiguration en bloc de la perception et de la représentation du monde.

    Parmi les artistes présentés figurent notamment: Fra Angelico, Giovanni Bellini, Jérôme Bosch, Sandro Botticelli, Pieter Bruegel, Lucas Cranach l'Ancien, Albrecht Dürer, Le Greco, Matthias Grünewald, Hans Holbein le Jeune, Fra Filippo Lippi, Masaccio, Michel-Ange, Pontormo, Raphaël, Tintoret, Titien, Paolo Uccello, Véronèse et Léonard de Vinci.

  • C'est la décennie de l'audace, des toiles expressionnistes, des livres au graphisme créatif, des oeuvres d'art totales du Bauhaus, des débuts de la psychologie, des bals de travestis, des cabarets et du cinéma. Entre les tensions de deux guerres mondiales, Berlin dans les années 1920 était une capitale à l'apogée de sa nonchalance, débordant d'art, d'innovations et d'idéaux.

    Cet ouvrage plonge ses lecteurs dans l'esprit libre de la période de Weimar. À travers des oeuvres emblématiques, puisées dans la peinture, la sculpture, l'architecture, le design graphique, la photographie et le cinéma, nous sont dévoilées les innovations, les idées et les folles utopies qui caractérisent cette vitrine culturelle unique. On entre dans les bars jazz et les salles de danse, on adopte la mode à la garçonne et on découvre les « kinos » remplis de spectateurs, on suit les avancées technologiques et les progrès des modes de transport, depuis les tours de radio aux roulements des trains et tramways, en passant par les gratte-ciel vertigineux, sans oublier les chefs-d'oeuvre cinématographiques et la nouvelle indépendance conquise par les femmes qui les autorise à fumer des cigarettes, à porter les cheveux courts et à gagner leur vie par leurs propres moyens.

    Parmi les oeuvres de cette évocation culturelle vivante figurent Les Journalistes de Hannah Höch, les Mains sur la machine à écrire de Lotte Jacobi, le Portrait de la journaliste Sylvia von Harden d'Otto Dix, le projet pour l'Alexanderplatz de Peter Behrens et L'Ange bleu de Josef von Sternberg, avec Marlene Dietrich dans le rôle de Lola Lola, la chanteuse de cabaret.

    Au fil des pages et des années, on découvre à la fois la soif d'utopie et les réalités économique et politique, plus ambiguës, qui ont nourri des chefs-d'oeuvre de divertissement, idéalistes ou réactionnaires produits durant cette période. Derrière les lumières vives et les robes pailletées se cachent l'inflation, le travail à la chaîne et un consensus politique fragile que dissimulent ces années bénies et qui annoncent finalement une issue brutale amorcée par la montée du national-socialisme.

  • Dans le New York des années 1950, avant qu'il devienne l'un des noms les plus célèbres du XXe siècle, Andy Warhol fut un dessinateur publicitaire talentueux et apprécié. À cette époque, dans le cadre de sa stratégie pour séduire et fidéliser ses clients et sceller des amitiés, il réalisa de sa main sept livres promotionnels envoyés à des contacts triés sur le volet, où s'exposent ses dessins uniques et ses textes excentriques, et où s'exprime son goût pour les chats, la nourriture, les mythes, les chaussures, les beaux garçons et les filles magnifiques, entre autres sujets.

    Des dizaines d'années plus tard, alors que les originaux s'échangent pour des milliers de dollars en salles des ventes, TASCHEN présente un impeccable coffret rassemblant les sept livres, reproduisant aussi fidèlement que possible les originaux de Warhol jusque dans le format, les dimensions et le papier. Avec des titres comme Love Is A Pink Cake (L'Amour est un gâteau rose), 25 Cats Named Sam (25 Chats nommés Sam) et À la Recherche du Shoe Perdu, la série révèle le caractère excentrique de l'artiste autant que ses talents de dessinateur accompli, sa créativité sans limites et son humour rempli de sous-entendus.

    Les livres jouent délicieusement avec les styles et les genres autant qu'avec la maquette, les matériaux et les formats. Le portfolio de lithographies A is for Alphabet consacre une page à chaque lettre de l'alphabet, avec des illustrations complétées par des strophes déroutantes de trois vers qui racontent des rencontres étranges entre l'homme et l'animal. In the Bottom of My Garden est à la fois la version warholienne d'un livre pour enfants et une célébration cachée de l'amour homosexuel. Quant à Wild Raspberries, il s'agit d'une parodie de livre de cuisine contenant pléthore de recettes audacieuses en 19 pages au format portrait contenant instructions et illustrations.

    Joyaux peu connus mais fort convoités de la couronne du roi Warhol, ces opus écrits et dessinés à la main sont aussi intéressants et originaux aujourd'hui qu'ils le furent dans les lointaines années 1950. Avec un essai introductif de la spécialiste de Warhol Nina Schleif ainsi que des illustrations contemporaines et des photographies de Warhol, cette reproduction méticuleuse offre un regard unique sur un génie en herbe, à l'aube de la renommée mondiale.

  • Bjarne Mastenbroek : dig it! building bound to the ground Nouv.

    Plongez profondément dans les origines de la construction. Le sol, souvent utilisé aujourd'hui comme fondation passive pour aller plus haut, regorge de possibilités. Bjarne Mastenbroek étudie la relation que l'architecture a, a eu et aura avec son terrain et la nature. En disséquant les structures des millénaires passés, cette étude globale est accompagnée de plus de 500 dessins analytiques et d'essais photographiques d'Iwan Baan.

  • Spectacular specimens. This is Albertus Seba's unrivaled catalog of animals, insects and plants. Albertus Seba's Cabinet of Natural Curiosities is one of the 18th century's greatest natural history achievements and remains one of the most prized natural history books of all time. Though scientists of his era often collected natural specimens for research purposes, Amsterdam-based pharmacist Seba (1665-1736) was unrivaled in his passion. His amazing collection of animals. plants and insects from all around the world gained international fame during his lifetime. In 1731, after decades of collecting, Seba commissioned careful and often scenic illustrations of every specimen. With these meticulous drawings. he arranged the publication of a four-volume catalog. covering the entire collection from strange and exotic plants to snakes, frogs, crocodiles, shellfish, corals, birds. and butterflies, as well as now extinct creatures. This reproduction is taken from a rare, hand-colored original. The introduction supplies background information about the fascinating tradition of natural collections to which Seba's curiosities belonged.

  • Erotica universalis

    Gilles Néret

    Recueil d'oeuvres d'art sur le thème de l'érotisme de l'Antiquité au XXe siècle.

  • Au coeur du sud de la France, en bordure de la mer Méditerranée, il existe une région réputée pour ses champs de lavande, sa bonne cuisine, son soleil généreux et ses paysages de rêve. Ce pays, la Provence, a inspiré des écrivains et artistes comme Alphonse Daudet ou Vincent Van Gogh. Paul Cézanne était si fou de la montagne Sainte-Victoire qu'il l'a immortalisée dans une série de toiles; son atelier provençal, qui n'a pas changé en 100 ans, est présenté dans cet ouvrage, de même que la maison où Frédéric Mistral, prix Nobel de littérature en 1904, a vécu et écrit. Vous découvrirez également les photos du célèbre hôtel Nord-Pinus d'Arles où ont séjourné Napoléon III, Jean Cocteau et Picasso.
    /> Rassemblant les plus remarquables demeures et intérieurs de la région, cette édition mise à jour offre des doubles pages exaltantes et des photos inédites accompagnées de légendes passionnantes. Entre les villages pittoresques perchés sur des coteaux rocheux, les charmants jardins plantés d'oliviers et emplis du parfum capiteux de la lavande, les terrasses nichées dans les toits de tuiles aux tons ocres et chaleureux, ce livre donne à voir un fabuleux tableau du mode de vie provençal.

  • Achevé vers 1474, le manuscrit de Sébastien Mamerot, aux somptueuses illustrations, est le seul document contemporain décrivant plusieurs siècles de croisades françaises, pendant lesquels les rois successifs ont tenté de s'emparer de la Terre Sainte. Jean Colombe, l'enlumineur médiéval célèbre pour son travail sur les Très Riches Heures du Duc de Berry, a réalisé la plupart des 66 merveilleuses miniatures.

    Les Passages d'Outremer, conservé à la Bibliothèque Nationale de France, se compose de 277 folios de parchemin, illustrés par Colombe et les meilleurs calligraphes médiévaux. Cette nouvelle édition cartonnée dans notre populaire format Klotz comprend une traduction intégrale du manuscrit, accompagnée de 66 miniatures colorées de Jean Colombe reproduites en respectant la moindre nuance des rehauts d'or médiévaux, accompagnées de leurs explications. Les illustrations de batailles, funérailles et processions s'animent sous nos yeux dans un tableau percutant, qui accompagne le récit prenant de cette campagne de ferveur religieuse et ce périple épique qui a duré des siècles.

    Edition complète, adaptée et commentée.

  • Burning man ; art et culte

    Nk Guy

    À 160 km des casinos de Reno, dans la nature sauvage du nord du Nevada, se trouve une vaste plaine inhospitalière connue comme le désert de Black Rock. Cet ancien lac asséché est inhabité et battu par les vents depuis près de 10.000 ans. Enfin presque, car, pendant une brève semaine à la fin de chaque été, une ville temporaire surgit de la terre aride.
    Nous sommes sur le site surréaliste et spectaculaire du festival de Burning Man. Se déroulant sous un soleil de plomb, dans des nuages de poussière aveuglants, l'événement revêt un sens différent pour chacun: communauté temporaire, aventure spirituelle, théâtre de performances, rave dans le désert, expérience sociale. C'est également l'incubateur de certaines des oeuvres d'art in situ les plus remarquables jamais réalisées: une pieuvre mécanique crachant du feu, un temple en bois vertigineux de quinze mètres de haut et, naturellement, le Man en personne, une effigie géante en bois brûlée au terme du festival.
    Cette nouvelle édition présentant des images inédites rassemble 16 années d'art de Burning Man vues et vécues par l'auteur et photographe NK Guy. Ses images éblouissantes documentent ces installations et happenings participatifs, collectifs et intrinsèquement éphémères qui existent pour la seule raison que quelqu'un a voulu exprimer quelque chose. Elles témoignent d'un univers situé bien au-delà de l'ego, du commerce et des rapports de force de la production culturel traditionnelle: c'est l'un des centres d'expression les plus purs et désinhibés de notre temps.

  • Visions of vases: Images that inspired the neoclassical imagination Antiquarian, archaeologist, vulcanologist, and envoy to the British Embassy in Naples, Sir William Hamilton (1731-1803) was a leading European figure of his time. Though the romance between his wife Lady Emma Hamilton and Horatio Nelson tends to eclipse Sir William's own activities, his work as a scientist and a classicist made major contributions to the study of Pompei, Herculaneum, and Mt Vesuvius. As an expert in ancient art, Hamilton also built up an invaluable collection of ancient Greek vases, subsequently sold to the British Museum in London in 1772. Before the pieces were shipped off to England, Hamilton commissioned Pierre-Francois Hugues d'Hancarville, an adventurous connoisseur and art dealer, to document the vases in words and images. The resulting catalog, published in four volumes and known as Les Antiquites d'Hancarville, represents a neoclassical masterpiece. Never before had ancient vases been represented with such meticulous detail and sublime beauty. With this reprint, TASCHEN revives d'Hancarville's masterful catalog for a contemporary audience, reproducing in exacting detail the same pristine images that sparked Europe's love affair with the classical style.

  • À l'heure où la visualisation de données envahit de plus en plus notre univers, le domaine d'exploration le plus appétissant est sans doute l'art raffiné de la bonne chère. Avec cet ouvrage, le livre de cuisine fait un bond dans l'avenir. Il rassemble les meilleures infographies consacrées à la cuisine, à ce qui se boit et se mange: tableaux de conversion des unités de mesures, recettes de cookies ou de cocktail, ou rétroplanning pour une fête sans stress.
    Incontournable pour tout amateur de bonne chère du XXIe siècle, ce gastro-guide atteint des sommets d'expertise et d'esthétisme. Vous voulez maîtriser la coupe du sashimi ? Connaître le secret d'un steak grillé à la perfection ? Impressionner vos invités avec un Martini Dry maison ? Food Infographics renferme toutes les réponses à vos questions, grâce aux meilleures infographies culinaires créées pour résoudre les tracas en cuisine sous une forme vivante, simple et facile à mémoriser.
    Vous trouverez dans ce livre des infographies sur tous les groupes alimentaires - graines et légumineuses, fruits et légumes, poisson, viande et volaille. Des idées de recettes de soupes, de sandwiches, de casse-croûte, de friandises et de sauces viennent compléter le menu, tandis que d'autres chapitres explorent les associations de saveurs, la pâtisserie, les boissons, les ustensiles et techniques de cuisine, et cerise sur le gâteau, le café et le thé.
    Le livre s'ouvre sur une étude historique de l'iconographie alimentaire, qui rappelle comment et où nous avons utilisé l'image pour apprécier, préparer et servir aliments et boissons, depuis les hiéroglyphes égyptiens sur le pain plat aux classiques du XIXe siècle comme Mrs Beeton's Book of Household Management. Beau, malin et rempli d'astuces très utiles, Food Infographics constitue une délicieuse exploration visuelle de l'alimentation et de la cuisine, mais aussi un recueil indispensable de conseils et de techniques pour un quotidien savoureux.

  • Art Nouveau was deliberately nouveau. With a spirit of willful reform, this «New Art» style between the 1880s and the First World War inflected architecture, design, painting, graphic work, applied arts, and illustration with a radical rejection of imitative historicism and a new undulating aesthetic of flowing lines and organic forms, ripe with linear freedom and a liberation from artistic tradition and expectation.

    Within this repertoire of sensual contours and natural motifs, Art Nouveau also followed the example of the English Arts and Crafts movement to emphasize a return to handcraftsmanship and the synthesis of artistic media and practices into a Gesamtkunstwerk, or total work of art. In this, as in its turn to nature, Art Nouveau is often seen as an aesthetic response to the Industrial Revolution, a recoil from the mass-produced and mechanic, and an elevation of the human hand and wonders of the great outdoors.

    This edition considers Art Nouveau as a broad historical phenomenon with distinct local features. We consider the style's wider artistic, economic, and political circumstances, as well as its particular flavor in such hubs as Vienna, Glasgow, Munich, Weimar, and Chicago. Outstanding proponents such as Victor Horta, Antoni Gaudí, and Charles Rennie Mackintosh are featured in connection with the cities of their greatest activity. The result is a vivid portrait of the age and a movement that is as much entrenched in our imagination of the fin de siècle as it is in the trajectory of modernism.

  • Anglais Art now ! 4

    Collectif

    • Taschen
    • 27 Juin 2013

    Think of this tome as a global go-round of the world's most influential galleries: if it's hot in the art world today, it's in this book. Emerging artists are featured alongside established greats like Chuck Close, David Hockney, or Brice Marden. A to Z entries on more than 100 artists include images of important recent work, an introductory text, and a short exhibition history with bibliographical information. The illustrated appendix collects contact details for the galleries representing the artists as well as auction results of the last few years.

  • Le Livre des Miracles a refait surface il y a quelques années et constitue l'une des découvertes les plus spectaculaires dans le domaine de l'art de la Renaissance. Le manuscrit illustré quasi complet, produit à Augsburg vers 1550, est composé de 169 pages d'illustrations grand format à la gouache et à l'aquarelle, qui dépeignent des phénomènes extraordinaires et souvent inquiétants.

    Les images, fascinantes, mêlent histoires bibliques et contes populaires, et puisent dans l'Ancien Testament et dans le livre des Révélations autant que dans les événements de l'époque contemporaine de l'auteur du manuscrit. Étoiles filantes et invasions de sauterelles, monstres terrifiants et déluges meurtriers, chaque page nous hypnotise avec des visions tantôt terrifiantes, tantôt spectaculaires, parfois même apocalyptiques.

    Cet ouvrage présente le fascinant Livre des Miracles dans un nouveau format plus compact qui rend ce document extraordinaire accessible à tous. Le texte du manuscrit est accompagné de sa traduction et de deux essais présentant le contexte culturel et historique dans lequel est née cette oeuvre unique de la Renaissance.

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